lunes, 3 de octubre de 2016

PURGA de Sofi Oksanen

 
NOTAS DE DIRECCIÓN. JOSÉ HERRERO.

EL SECRETO DE LA CRUELDAD:
Purga Sofi Oksanen


OKSANEN VS FINLANDIA

Escribo desde Munkkiniemi, una pequeña biblioteca de Helsinki, es agosto y fuera hace una temperatura muy agradable, 21 grados(dicen que viene una ola de calor) Me imagino antes de entrar que a estas horas, son las 10.30 am,  me acompañarán en la biblioteca un par de personas vecinas del barrio que vienen a dejar algún libro, o a echar un vistazo el Helsingin Sanomat (periódico  nacional del país) pero  vuelvo a recordar enseguida nada más entrar que estoy en Helsinki (Capital Cultural Mundial de Diseño 2012),  casi no dispongo de sitio para sentarme, en varias de las mesas que hay distribuidas en la biblioteca, me doy cuenta por otra parte que me rodean libros de Alvar Aalto(uno de los arquitectos internacionalmente más conocidos de este país) y es que a escasos metros de aquí, puedes visitar la Casa Museo del arquitecto.  Un lugar que congrega frecuentemente grupos reducidos de visitas guiadas y que como es también habitual la mayoría de estos grupos procede de Japón. Y ya que estoy tan “folclórico”, antes de iniciar estas Notas de Dirección me pongo los auriculares preparado para escuchar a Jean Sibelius, celebérrimo compositor finlandés a la altura de los más grandes compositores orquestales de todos los tiempos.


En el periódico leí (poco a poco me voy haciendo con el idioma…) hace unos días que Sofi Oksanen (más adelante os hablaré de ella) va a estrenar su nueva novela: Kun Kyyhkyset Katosivat (Cuando las palomas desaparecieron)

La editorial va a organizar un evento al estilo “Hollywood” para ese día.   Su anterior novela PUHDISTUS (Purga) fue de tal éxito internacional que en Helsinki se espera que su nuevo trabajo sea en definitiva “la marca o sello de identidad” de un país. Si Coca-Cola es EE.UU, EL SUSHI es JAPÓN, SOFI OKSANEN será Finlandia.  Y es que a pesar de tener como ya he mencionado anteriormente a artistas reconocidos internacionalmente ha sido una joven autora (creo recordar que debe de tener en torno a 35 años…) la que ha hecho que el mundo de las letras y la cultura en general no miré a este país de soslayo, sino que su interés cada vez sea mayor…

Quizás algún día se consiga entender que  este pequeño país puede ser más que Papa Noel, Sauna y Tasas de Suicidio…

Finlandia representa al hermano pequeño, que enfermo de celos por tanta expectativa frustrada espera su recompensa impaciente… sempiternamente ensombrecido por Noruega y Suecia no puede por mucho que se empeñe quitar protagonismo a Strindberg o a Ibsen…ni cien del talento de  Mika Waltari…!

No puede de igual manera estar a la altura del “Salmón Noruego”, alguien conoce el ¿salmón finlandés? Y qué me decís del Vodka. Todos conocemos la marca sueca “Absolut” Pero alguien ha probado “Finlandia (Vodka Finlandés)” ¿?


Biografía de un éxito.

Sofi Oksanen (1977) hija de un electricista finlandés y una ingeniera Estonia que llegó a Finlandia en los 70 fue capaz de estrenar con 30 años  su obra PUHDISTUS en el Teatro Nacional. A raíz del éxito de la obra de teatro, escribió la novela. Fue en ese momento cuando toda Europa se hizo eco de su talento (entre los numerosos premios que ha recibido, cabe destacar, el Premio a la Mejor Novela Europea, 2010)

Ahora se va a organizar a través de las Agencias de Viajes de Finlandia, un Tour donde el que pueda gastarse 350,00€, podrá ver en Tallin (Estonia, país vecino de Finlandia y protagónico de la novela, y referente de la autora por proceder de ahí parte de su familia…) y por partida doble: El estreno mundial de la Película que se ha hecho de la novela Puhdistus con los actores y la autora como estrellas del evento y a su vez podrá también estar presente en el estreno de su nueva Novela, Kun Kyyhkyset katosivat (cuando las palomas desaparecieron). Esto significa Oksanen, una marca, un referente donde mirar a este país y profundizar en su cultura e identidad educacional…

 PURGA se estrenó el 18 de mayo en el Teatro Principal, Donostia, en co-producción: Ilmatar teatro-Vaiven producciones s.l.

Gira en Madrid, Cuarta Pared desde el 24 de Octubre al 3 de Noviembre.

ENCUENTROS  y QUEJAS.

Ilmatar teatro compañía de teatro que fundé junto a la actriz de origen finés Nina Ikonen, inició su andadura en 2007. Con el principal propósito de estrenar en España obras de teatro finlandés y poder intercambiar ese legado de igual manera en Finlandia con autores españoles. Hasta la fecha hemos estrenado 5 obras en España y 3 obras de teatro en Finlandia.  

Por supuesto somos una de las tantas compañías que va dando tumbos, emborrachados por el aire fétido que tenemos que respirar, de un país A-CULTURAL (sic) y que vomita sus obras sin tiempo a recuperar el apetito, entre la zozobra de los tiempos que vivimos…

Cinco montajes profesionales sin NINGUNA subvención. Algunos con más éxito que otros pero es motivo de celebración y de recordar y agradecer a todos los que durante este tiempo han participado con nosotros, llevados más por el corazón que por la razón…

Permitirme NO QUEJARME demasiado les digo a mis voces interiores,  me habéis pedido unas Notas de Dirección, pero mi impulso es otro, mi impulso es QUEJARME, desahogar esta incertidumbre que me provoca rabia y frustración.  Se ha hablado tanto sobre la crisis en la cultura, y voces doctas que mejor que yo han sabido plasmar en artículos interesantísimos los sentimientos que muchos incubamos en una tensa espera, que voy a optar por centrarme en mis: Notas…

SINOPSIS

Dramática historia de Zara, una joven rusa víctima del tráfico de mujeres que intenta escaparse de Estonia y de sus captores. Exhausta y moribunda la encuentra Aliide, anciana que malvive en una zona rural de Estonia. Superada la desconfianza inicial, nacerá un vínculo especial entre estas mujeres que tanto han sufrido, destapándose una compleja trama de rivalidades familiares y deslealtades humillantes.

Dos mujeres que verán entrecruzados sus destinos con la violencia, en una atmósfera inquietante que todo lo impregna. Pero en Purga se cuentan muchas más historias. Asistimos también a la tormentosa relación de dos hermanas que aman al mismo hombre: Aliide e Ingel.

Varias décadas después de que las separe la deportación a Siberia de una de ellas, Zara, la otra protagonista, fugitiva ahora de una trata de blancas, busca a su tía abuela, Aliide, porque necesita descubrir los secretos de la familia que tanto dolor han causado a todas ellas.

Purga desvela una trama sobre las consecuencias del miedo, la humillación, pero también la inagotable capacidad humana para la supervivencia.

Estructura teatral y análisis del contexto dramático.

Purga arranca en 1992, un año después de que la pequeña república Estonia recuperase la independencia tras la invasión de la Unión Soviética. Pero Purga juega con el tiempo en un ir y venir por el terror nazi, el soviético y las mafias rusas de trata de mujeres. Según la propia autora, Sofi Oksanen: “presentamos a mujeres diferentes, en épocas diferentes, pero que han vivido las mismas experiencias. Victimas y supervivientes de una violencia extrema que les causo el mismo efecto. La misma violencia que se utiliza para destruir el yo íntimo y arrasar la identidad. La que ejerció el nazismo y el estalinismo, la que padecieron las mujeres violadas sistemáticamente en los Balcanes o la que sufren las víctimas del tráfico sexual.”

En el comienzo de la obra se nos muestra el escenario protagonista, una cocina realista de una granja estonia de principios del siglo XX.

Estamos ante un espacio por el que parece no haber pasado el tiempo, los objetos han viajado con ella en el tiempo, objetos soviéticos, cazuelas de aluminio, utensilios viejos y una trampilla que conduce a un escondite…Un secreto y una anciana que te hace pensar que su vida se ha detenido en el tiempo, en esa atmosfera onírica y viciada.

Y esa fantasmagoría que recrea la autora desaparece con el sonido de los aviones militares…viajando al pasado…1951, en una sala de interrogatorios. La acción es protagónica, no hay descripción, no hay narración subjetiva de los hechos, estamos siendo protagonistas de una tortura.  La mujer es sometida a todo tipo de vejaciones, con un saco en la cabeza, la obligan a meter su cabeza en un cubo lleno de excrementos, es arrastrada desnuda por la sala sin conocer a los torturadores, le introducen en su sexo un arma, gritan, insultan, la anulan como persona, como mujer…está persona piensas, aunque salga viva de la sala, estará  muerta el resto de su vida. Más adelante descubres que será Aliide Truu, la anciana que habita en esa granja…

Tardas en recuperarte de la escena y rápidamente vuelve al presente, 1992. Estos viajes en el tiempo se sucederán durante los 17 episodios en los que se desarrolla la obra de teatro cuyo ritmo se apodera  del espectador desde el primer minuto, con una estructura muy cinematográfica, que te va llevando al suspense a cada paso temporal que lo conforma  y que se va retroalimentando hasta llegar al final, con la paradoja de  que es el aliento el último que se pronuncia y después llega la oscuridad…y luego la luz.

Esta obra de teatro es el paradigma de una vida centrada en dos  palabras: El poder  y el miedo. Una vida receptora de un sistema social, político y económico que está corrupto y que es metáfora del mal. Cuya acción se sitúa cuando el caos, la saturación, la asfixia, la acumulación de malos recuerdos piden una salida drástica. Cuando el poder pierde la vergüenza y se muestra desnudo, cuando se descuida la máscara, cuando se burla y bufonea entre la gente sometida, es justo en ese momento, cuando el oprimido despierta o reacciona de su miedo y purga el mal.

La obra se contextualiza dentro de un marco político-temporal muy concreto: Desde 1951 hasta 1992 en Estonia.

Este viaje temporal comienza desde que la URSS ocupa de nuevo un país sin voz ni voto,  ocupa el poder y somete a los ciudadanos a cumplir con sus ideales, las deportaciones a Siberia, las torturas, violaciones de familias enteras, los asesinatos se iban acumulando en ese sistema y pasa el tiempo y muere Stalin pero los recuerdos están ya estancados en la memoria de los oprimidos…a pesar de eso deben de pasar 45 años de Sovietización hasta que Estonia se independiza.

Y cuando todo parece que puede cambiar…aparecen las mafias en un sistema camuflado por la republica de Estonia, pero con  el mismo objetivo el afán por el poder. ¿La sociedad ha cambiado? ¿Ha servido de algo esta independencia?, o es la ambición por el poder lo que oscurece el alma en un sistema.

Sofi ha querido dar voz a todas estas mujeres mudas, es la voz de los testigos mudos del horror. Ve un paralelismo con la situación de los países árabes actuales, en los que no conocemos el alcance de las dictaduras hasta que se derrumban.

Estilo

“Drama, significa acción.  El drama no se construye a partir del discurso lírico, ni de temas narrativos, sino meramente a partir de elementos de acción. Pero la acción en sí misma no es Dramática, porque la transposición de la acción más tensa y más dinámica de la vida natural a forma poética no resulta ningún drama. DRAMA ES ACCIÓN ARTICULADA

El director de escena debe de sacar a la luz la visión dinámica a partir del cual el poeta ha creado conscientemente sus figuras.  El teatro no puede en ningún caso ofrecer una mera reproducción de la obra poética. Pues una obra de arte sólo puede ser reproducida con los medios de ese mismo arte al que la obra pertenece.  No se habla de reproducción sino de recreación proyección re-creadora, o co-creadora en otro plano artístico.  El director debe de llegar más allá de él, profundizar en intensidad…” (Felix Emmel, 1924)

El director escribía Weichert, tiene el deber de crear a partir del texto escrito (la visión del poeta) y del propio trabajo de fantasía sobre la mesa (la visión del director) […] la tercera y última forma; sólo ésta es definitiva (citado en Paolo Chiarini…)

Disculpar por el recurso de las citas pero me parecía interesante acudir a ellas,  antes de comenzar a explicaros las decisiones que tomé en torno a la pieza dramática.

Mi visión como director fue recrear la obra poética de Oksanen. Si hubiera simplemente transpuesto lo que la autora tradujo en su libreto, palabras tras palabra, simplemente habría copiado una fotografía.  Oksanen describe en la primera página de su libreto cómo tiene que ser el espacio escénico. Es una página entera, describiendo detalle tras detalle el universo del personaje principal, Aliide Truu, una especie de horror vacui que a continuación os transcribo una parte a modo de ejemplo:

Año 1992, finales de verano principios de otoño. Una zona rural de Estonia. Estonia ha declarado su independencia el año anterior y ha sido puesta en marcha la reforma agraria.

El escenario es una cocina realista de una granja estonia de principios del siglo XX. En una esquina un frigorífico soviético, en otra una lavadora con rodillo escurridor. En otra una cocina de leña. Un armario ropero rústico. Un aparador para la vajilla del mismo estilo en el que se mezclan cristal de principios del siglo XX, tarros de yogur de los años 80 de la marca finlandesa Valio y frascos de Nescafé. En un costado del aparador, fotos pegadas…..

Mi punto de vista como director viene siempre tras un profundo análisis pormenorizado del libreto, su contexto histórico, análisis profundo de los personajes, y del punto de vista del autor y a partir de ahí trabajo con el equipo artístico.  Antes de iniciar las primeras reuniones siempre debo de tener una composición macro cósmica (sic) de la obra y poder así ayudarles de la mejor manera posible.

La proto-idea es el alma de la obra, es desde ahí donde comienza a construirse el leguaje estético, por eso es muy importante trabajar en torno a ese concepto. 


CORRESPONDENCIA ENTRE EL EQUIPO ARTÍSTICO:


Los ensayos de PURGA, comenzaron en Abril, en la sala de ensayos de la productora de teatro, Vaiven producciones, s.l en Donostia (San Sebastián).


La dificultad añadida de este montaje era que al ser una co-producción  los equipos estaban divididos entre Madrid y Donosti.

Desde Ilmatar, se realizó el trabajo previo en Madrid, donde todos los colaboradores habituales de la compañía residen ahí y por lo tanto antes de iniciar el primer día de ensayo la idea de la puesta en escena debía de estar ya bastante madurada.

El compositor musical  fue Iñaki Salvador, fundador junto a Ana Pimenta de la productora Vaiven  producciones, y fue el único “agente artístico” con el que tuve que mantener correspondencia  vía correo electrónico de las ideas que iban surgiendo en torno a las atmósferas plásticas que se formaban en el trabajo con el equipo artístico.


Me extendería demasiado si pretendo explicar pormenorizadamente el proceso importantísimo entre el director y los colaboradores, pero os pondré un breve ejemplo de las primeras ideas que me surgieron y como se las trasladé al equipo.


Estas son las primeras ideas que surgieron entre Deborah Macías (diseñadora escenográfica), Nuria Martínez (diseñadora de Vestuario), Víctor Cadenas (diseñador de Iluminación) e Iñaki Salvador (Compositor musical):


A LA ESCENÓGRAFA…

…es imprescindible que el “horror vacui” realista que describe la autora  este reflejado en la idea estética y estilística que vayamos a trabajar.

Víctor Cadenas ha sugerido varias pistas para empezar a trabajar y me parece bien.  Inspirado en la estética Comunista (Popova, Rodchenko…) del constructivismo ruso y de la época post-bolchevique, líneas puntiagudas, amenazantes, cúbicas…

De alguna manera reflejar el miedo en la idea estética y la amenaza.

También creo que la representación psicológica  de Aliide Truu  debe de estar reflejada en la atmósfera de la casa.

El miedo y EL AMOR (en sus diferentes facetas)

Para Aliide Truu el amor ha sido el motor de su vida. Un amor frustrado que le ha llevado a odiar a su hermana, repudiarse a si misma, vender su alma, enajenarse en su espacio, secuestrar a su ideal durante años, sacrificar su vida, su sexo , sus principios por amor...la guerra transcurría…la barbarie transcurría…pero el amor fue siempre SU MOTOR!

MIEDO Y AMOR.

Estéticamente veo un espacio laberíntico, estilizando la realidad hacia lo absurdo, con líneas rectas  muy forzadas, inspiradas en el sentido KAFKIANO, EN LO ABSURDO.

Un espacio y un aire viciado por el tiempo, “encapsulado”, corrupto…

Cuando llega a este espacio” anacrónico”  Zara, vuelve a desterrarse los recuerdos y la casa  que estaba “dormida” vuelve a despertar de su  agonía y  quejido.

Formas laberínticas: trabajo de la perspectiva para crear un efecto de incertidumbre: una idea muy de Sartre..

Un Pasillo, una sala principal y una boca negra: donde el que está dentro de la boca te observa, in lugar que no se sabe a dónde va(túnel del tiempo) lugar donde se esconde Hans, y se esconden las almas torturadas, el aliento…

Trabajo de perspectiva, tabiques abiertos, la luz que se filtra por todos los huecos, creando diferentes planos de importancia a la hora del juego, la suspensión del tiempo

ESTO ES A PRIORI MI IDEA  DE LA DRAMATURGIA ARQUITECTONICA:

Laberintos, juego de la perspectiva, fragilidad, volumen de la iluminación, suspense, la isla, dos niveles de texturas, formas cuadras, formas amenazantes de inspiración soviética etc…

LOS SIMBOLOS DE LA PTA EN ESCENA

Los símbolos donde algunos fundan su razón de ser en la unificación que procuran a los niveles de la realidad, sobre todo al psíquico y al espacial.

Quiero representar, en este inicio dos símbolos: El hombre-Fuerza y Niñez-Inocencia.

El hombre y la naturaleza. A través de la figura de un hombre talando con hacha un tronco y su fuerza bruta.

Por otro lado la mujer y los juegos. Unos juegos idílicos, que nos trasladan al recuerdo de nuestra niñez. La inocencia, la felicidad absoluta, el juego con la naturaleza.

El hombre rompe la madera y en ese instante se para el tiempo. Las mujeres ya no aparecen. Entra en escena la luz eléctrica. Entra en escena otro tiempo, el de la luz eléctrica.

Casi como una luz atómica, un ojo divino, un Deux Machina, arranca el combate. Su ojo es el ojo de Picasso en el Guernica. Como si fuera el ojo de Dios que todo lo ve. La luz eléctrica.

PRIMERAS IMPRESIONES EN TORNO AL ESPACIO SONORO Y LA COMPOSICIÓN MUSICAL.

IÑAKI, el espacio escénico se transforma como bien sabes a lo largo de la obra. Y tanto la iluminación como la música debe de hacer lo mismo.

Como seguramente ya sabrás hay un espacio sonoro inscrito en la dramaturgia de la obra que más abajo te lo apuntaré. 

Fuera a parte del espacio sonoro que la autora  subraya en las didascalias, yo quiero trabajar y desarrollar las atmosferas de ciertas situaciones escénicas que me parecen muy importantes.

Pero primero antes de sugerirte nada quisiera compartir contigo mi punto de vista en cuanto a la dirección de la obra y su estilo.

La obra tiene cierta oscuridad en cuanto a las emociones que abordan los personajes. Sacrificios de  la moral, de los principios, conductas esquivas, mentiras, hipocresía, afán de poder, mala conciencia…es una obra: sucia,  húmeda,  oscura, donde la luz entra tibia e inhibida en el complejo mundo de los personajes.

Por eso quiero traducir ese pulso emocional a la atmósfera espacial.

La obra es realista a priori porque escenifica en dos contextos históricos muy concretos las situaciones de dos mujeres, separadas por el  tiempo y unidas  por la vergüenza con un diálogo cargado de referencias históricas y una escenografía que representa una granja estoniana(sic), como bien ya sabrás. Pero quiero jugar al expresionismo y a la desfiguración de la forma humana. Rodeándome de un espacio lleno de objetos que molestan, de escaleras donde uno sube y se siente poderoso, de juegos de luces y sombras.  Donde la escalera es el símbolo del poder.

Si te puede servir como ejemplo: El cuadro de Inocencio X de Velázquez y la comparación con el de Francis Bacon.

Es interesante ver, que en el propio cuadro que pintó Velázquez se observa el retrato psicológico que hizo del PAPA. En la mirada de Inocencio X se pueden ver muchas mas cosas y que se quedan en el ojo que lo observa, el espectador. Es una pintura realista, pero con un punto de vista del pintor que dota de un psicologismo macabro al personaje retratado. Solo es una mirada, solo una mano colocada en primer plano de forma sutil…solo. y esa psicología “interior” ese gesto psicológico se muestra de forma exponencial en el cuadro de Bacon.

Te he querido mostrar esto porque a nivel musical me gustaría elaborar varios planos de carácter durante toda la obra.

1º.  La atmosfera realista más naturalista apoyándose en el espacio sonoro: Los perros, el sonido del viento, la naturaleza que está muy presente fuera  respirando… donde existe cierta presencia continua y que nos va avisando sutilmente  de un peligro. Y con la descripción sutil de los personajes en su presentación.

2ºLa atmósfera de tensión psicológica: Que va desde el 2º Acto en adelante.  La línea musical acompaña y refuerza la tensión dramática. 

3º El espacio sonoro Diegético, la música de la radio,  las noticias…etc y las voces en Off.

DE LA PROTO-IDEA AL ENSAYO GENERAL

La obra como ya os comenté se ensayó en Donostia, y desde ese primera idea que os he  escrito anteriormente hasta el día en el que empezamos a ensayar evolucionó como es lógico de acuerdo a los presupuestos económicos y artísticos.

Tuve la fortuna de disponer de unos 8 días para ensayar con los actores, sin tocar una sola línea del texto y crear de esa manera las bases  para que se entendiese  la acción estética y estilística que el equipo llevaba ya trabajando durante varios meses atrás.  Desde mi punto de vista, es imprescindible, que lo que se ha ido trabajando previamente durante tanto tiempo con el equipo artístico,  se vaya poco a poco transfiriendo al elenco, y más si cabe si el director no conoce como trabajan los actores y viceversa.

Es imprescindible que en estos primeros días el elenco respire  poco a poco la atmósfera y el carácter de la obra que se quiere conseguir.  Los actores deben conocerse entre ellos, y los ejercicios de improvisación paralelos a la obra son importantísimos, para una integración lógica del alma de la obra.

Tanto desde un punto de vista para el actor personal en cuanto a la  encarnación del personaje, como desde un punto de vista general, en cuanto a la comprensión  histórica  de la obra dramática estos días son la base para que cuando comencemos a ensayar con las escenas, el cuerpo del actor tenga ya un histórico  en la composición del personaje, su ritmo, su punto de vista, y la claridad  de sus imágenes y sucesos transversales  vayan formándose con menos violencia que si se tuviese que coger el texto y el personaje desde el principio. Algo antinatural en el ritmo lógico de un actor a la hora de enfrentarse a una obra de teatro.

CONCLUSIONES:

ESTRENO EN EL TEATRO PRINCIPAL DE DONOSTIA.

Siempre das lo “mejor de ti” cuando te enfrentas a una obra de teatro, pero en ocasiones tu VISIÓN personal,  a medida que vas ensayando se va alejando, hay una fuerza que no logras conquistar, una sinergia que te impide transformarla en tu propósito. Cuando eso ocurre, me dejo llevar por los acontecimientos que suceden en cada ensayo y el instinto nunca falla…

El Director de Escena debe de estar atento a todo lo que sucede a su alrededor desde el primer ensayo hasta el día del estreno, por mucho que lleve el trabajo hecho, siempre surgen nuevas ideas, frases que los actores con su trabajo te revelan otro camino…es ahí cuando hay que ser flexible y dejarse llevar por el regalo que te están haciendo…una vez estrenada la obra, jamás hubiese pensado que el resultado fuera ese, pero es así como debe de ser, a veces la obra te ayuda a superar tus miedos como Director, y está obra lo hizo. Me apoyé en el elenco, en mis compañeros del equipo artístico (Nuria, Deborah, Víctor, Iñaki…) en la ayudante de dirección(que importante la figura del ayudante de dirección!, Dorleta… gracias!) …en la productora, todos somos uno y en esta ocasión surgió el maravilloso milagro de ver estrenada la obra y escuchar al público cómo se emocionó…esto es algo que excepcional.

Mi gratitud a Ana Pimenta, Iñaki Salvador y al equipo de producción de Vaiven, que respetaron mi trabajo hasta el final y que sin conocernos nos dimos la oportunidad de trabajar juntos en torno a un texto que ambos amamos. Y por su puesto a Deborah, Nuria, Víctor, Dorleta e Iñigo como parte del equipo artístico y a los que conforman el elenco: Sandra Ferrús, Nina Ikonen, Ana Pimenta, David Macías, Borja Fano y Álvaro Garayalde… gracias!


PURGA,
comienza su temporada en Madrid, en la Cuarta Pared:
Desde el 24 de Octubre hasta el 3 de Noviembre.

José Herrero, director de escena.

Fundador de la Compañía Ilmatar teatro s.l







Trailer de, PURGA

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Quienes somos

La Cia, de teatro Ilmatar con sede en Madrid (España) realiza desde su fundación en septiembre de 2009, producciones teatrales contemporáneas, concentrándose en la dramaturgia de célebres autores finlandeses. Esta singularidad artística se concentra en sus dos fundadores. José Herrero, director de escena madrileño y Marjo Ikonen actriz finlandesa. Su relación viene de lejos cuando ambos creadores se conocieron en la Real Escuela Superior de Arte Dramático(Madrid) generaron rápidamente un interés común por sus fundamentos artísticos y se pusieron a trabajar con una co-producción hispano finlandesa que supuso el despertar por parte del director, de la cultura nórdica. Esa producción tuvo como resultado una gira por Finlandia y España.

A partir de ahí, tanto Marjo Ikonen como José Herrero establecieron las pautas comunes por las que fundar una Cia. de teatro poniendo atención a la calidad de los proyectos, a los autores nórdicos elegidos y al equipo artístico colaborador.

Desde ese momento a esta parte han montado textos de; Elisa Salo, Mika Myllyaho, Mika Waltari, Jussi Kylätasku, Sofi Oksanen entre otros

JOSÉ HERRERO.

Nace en Santurce, Vizcaya (España), estudia interpretación textual en la Escuela de Teatro de Getxo, 1995-1999. Tras un año decide ampliar su formación artística, formándose en Dirección Escénica y Dramaturgia en Madrid en la Real Escuela Superior de Arte dramático de Madrid (RESAD) ,2000-2004. Tras licenciarse comienza a dirigir proyectos en salas alternativas, con creaciones propias, investigando lenguajes artísticos afines a su manera de entender la creación artística. En esa época monta obras de creación propia como; Mátame por…amor! Tras conocer a su media naranja artística, Nina Ikonen, fundan la CIa de teatro Ilmatar. Si antes he mencionado que la difusión de textos teatrales de autores finlandeses es su principal objetivo, también han realizado producciones en Finlandia de autores españoles.

Montaron Don Perlimplin de F.G.Lorca en Tampere (Finlandia), con gira por Helsinki. Participaron en el Festival Internacional de Teatro (Tampere-Off) con un Taller sobre el esperpento de Valle Inclán. Realizando también la puesta en escena de varias escenas del célebre autor. Ha colaborado con la Embajada de España en Finlandia en numerosas ocasiones, la última con la traducción y lectura dramatizada de la obra de Juan Mayorga de Hamelin, en Helsinki.

NINA IKONEN

Actriz finlandesa, que lleva ya más de diez años residiendo y trabajando en España. Formada en la escuela De Arte Dramático Metropolia en Finlandia y un año estudiando de interpretación gestual en la RESAD8Real Escuela Superior de Arte Dramático)

Ha participado en numerosas obras teatrales sobre todo con la Compañía Ilmatar socio fundadora junto al director de escena José Herrero con la intención de representar y llevar obras Nórdicas a los escenarios españoles. Nina Ikonen ha interpretado varios papeles en las obras de Ilmatar como El Pantano, Gabriel Regresa, Peligro de Explosión y la última y más destacado, Purga de la gran autora finlandesa Sofi Oksanen.. Purga se hizo en cooperación con la productora Vaiven y fue estrenado en el Teatro Principal de San Sebastián en 2011.Nina Ikonen a actuado también en series de televisión como, Aquila Roja, Hospital Central, Con el culo al aire. También ha participado como una de las protagonistas en la película Solei-Man, coproducción Español-Marroquí y en dos series Marroquís, Minea y El Palacio Azul.

Estilo

Mi estilo se centra en trascender y subliminar lo poético y simbólico de los diferentes lenguajes escénicos que emanan del hecho teatral. El tratamiento del cuerpo poético de los actores y su trabajo con los objetos, estiliza el texto hacia un lenguaje simbólico, ofreciendo al espectador el punto de vista concreto que yo como director quiero mostrar. La iluminación, La música, el vestuario y la escenografía son elementos que conviven durante el desarrollo escénico, transformándose de igual manera como hace el personaje de la obra a representar. En ese sentido el actor y el equipo artístico están al servicio del texto y del director y trabajaran desde el primer día en esa dirección.

Nuestra forma de trabajar genera en el equipo artístico una profunda investigación desde el primer día hasta el estreno en la dramaturgia del texto, por lo que nunca las escenas que se trabajan están acabadas, sino que se transforman y enriquecen continuamente, durante todo el proceso creativo, no dando por terminada nunca la obra, incluso ni en el estreno. Ya que con las actuaciones posteriores al mismo, la obra cambiará y se acomodará, evolucionando a cada día que pasa, siendo, si el trabajo anterior se ha hecho bien, fundamental este proceso para encontrar la verdadera esencia del punto de vista del director con el texto que se representa.

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